Crítica de "Los Monstruos", de Emiliano Dionisi y Martín Rodríguez

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Los Monstruos

Proyecto ganador de la Bienal de Arte Joven en la categoría de musical

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Teatro Picadero)

Nivel: 7.5 /8

¿De qué se trata?: Claudio y Sandra son dos padres que no se conocen, pero sus hijos tienen algo en común: acaban de entrar al mismo colegio y sufren de ciertos problemas de adaptación.

Todos tuvimos padres en algún momento. Sin embargo, en nuestra infancia probablemente no tomábamos dimensión de lo que implicaba asumir ese rol, lleno de miedos y responsabilidades. A este universo nos quiere llevar Los Monstruos, para repensar cómo repercuten las acciones de los padres sobre una etapa tan frágil como la niñez. Todo esto, a través de la historia de Claudio y Sandra, quienes se conocen fortuitamente y descubren que sus respectivos hijos acaban de ser admitidos en el mismo colegio. Los chicos tienen algunas dificultades para adaptarse a la institución, y la obra irá siguiendo los esfuerzos de los protagonistas por afrontar esta realidad.

Emiliano Dionisi, director y dramaturgo de la propuesta, decidió exponer a estos dos personajes durante todo el espectáculo, dado que los actores nunca salen del cuadrilátero que delimita la escenografía. En definitiva, nadie puede escapar del rol de padre o madre, y de la dependencia que genera el tener a otra persona completamente a cargo. Por eso, Dionisi acertó al considerar que no necesitamos ver a los hijos en escena para saber que están presentes. Entonces, el libro se convierte en un ejercicio interesante para los intérpretes: deben construir vínculos profundos a través del diálogo con chicos que tanto ellos como el público tienen que imaginar.

En ese sentido, tanto Natalia Cociuffo como Mariano Chiesa brindan los mejores trabajos de sus carreras. Desde la soltura para la comedia hasta el compromiso para la entrega visceral, estas criaturas los hacen atravesar matices muy atractivos. Además, el texto los tiñe de verosimilitud, porque aborda situaciones cotidianas fácilmente identificables y sentimientos universales, y lo hace sin recurrir a demasiado lirismo. Gracias al manejo de las inflexiones vocales y de la expresión corporal, los actores delinean el contexto en el que se ven inmiscuidos (y, ocasionalmente, representan a los personajes infantiles con notable ductilidad). También es crucial para marcar las transiciones el diseño de iluminación de Claudio del Bianco. A Claudio y a Sandra los vemos siempre muy cerca, pero pocas veces interactúan, sino que sus historias se desarrollan en forma paralela. Tal vez sean incapaces de ver lo que sucede a su alrededor, encerrados en su propia visión sobre sus hijos. Con el correr de escenas que muestran charlas con la directora del colegio, berrinches o un cumpleaños en un pelotero, se va revelando la personalidad de los padres, junto con monólogos que nos transportan a su mente.

Pero cuando la obra realmente quiere penetrar en la esencia y las sombras de estos seres es cuando surge la música de Martín Rodríguez. Las melodías, cambiantes y bellas, encajan perfectamente con las letras y con los sentimientos que se quiere transmitir, enriqueciendo la composición de los personajes. Los músicos en vivo acompañan sincrónicamente el vigor de los intérpretes y sus idas y vueltas emocionales. El resultado de esta mixtura son momentos musicales de pura pasión y vuelo estético. Solos como “Equipo ganador” y “¿Por qué a mamá?” resultan desgarradores.

Algunos espectadores objetarán que hay situaciones hacia el final que atentan levemente contra la verosimilitud precedente, pero lo central es el contundente simbolismo que conllevan. En definitiva, es difícil no empatizar con esta obra surgida de la Bienal de Arte Joven, que prueba las nuevas generaciones pueden realizar trabajos de gran calidad.

Más información:

Teatro: El Picadero (Pasaje Santos Discépolo 1857)

Funciones: quedan 3 funciones (miércoles 2/12 y 9/12 a las 20:30 hs. y, como función especial, el domingo 6/12 a las 20:30 hs.)

Precio de las entradas: $120

Duración: 1 hora y 40 minutos

Dirección general y dramaturgia: Emiliano Dionisi

Dirección musical: Martín Rodríguez

Intérpretes: Natalia Cociuffo y Mariano Chiesa

Músicos en vivo: Juan Pablo Schapira (teclado y guitarra electroacústica), Matías Menárguez (batería), Martín Rodríguez (guitarra) y Gianluca Bonfanti Mele (bajo)

Directores asistentes: Juan José Barocelli y Julia Gárriz

Diseño de iluminación: Claudio del Bianco

Producción ejecutiva: Sebastián Ezcurra y Compañía Criolla

Fotografía Akira Patiño

Vestuario: Marisol Castañeda

Escenografía: Compañía Criolla

Asesor de arte en fotos y vestuario: Ezequiel Galeano

Asistencia de iluminación: Martín Fernández Paponi

Agencia de prensa: Bienal de Arte Joven / Tommy Pashkus
Fotos: www.fb.com/Los-Monstruos-117571068588835/

Los musicales de Andrew Lloyd Webber en concierto

Comparto la gacetilla del concierto que se llevará a cabo para homenajear a los musicales del compositor de musicales más exitoso de Inglaterra. Resulta una oportunidad única para que el público argentino pueda escuchar el repertorio valioso de algunas obras que nunca se montaron en nuestro país:

Dos únicas funciones para escuchar los mejores temas de

Andrew Lloyd Webber

por cantantes argentinos

con puesta en escena de Alejandro Ibarra y las

voces principales de Matías Ibarra y Santiago Sirur

Los martes 3 y 17 de noviembre a las 21 horas

En Velma Café

Los Musicales de

ANDREW LLOYD WEBBER

En Concierto

Tocomadera Productora de Arte

Presenta

Andrew Lloyd Webber, hacedor de musicales como El Fantasma de La Ópera, Evita, Jesucristo Superstar, Cats, Sunset Boulevard entre otros es "homenajeado" en éste ciclo de conciertos. Matías Ibarra y Santiago Sirur acompañados por un grupo de jóvenes vocalistas; rinden tributo al autor que forjó y marcó su estilo dentro del Teatro Musical.

Crítica de "Desbocado", de Leandro Gazzia

Categoría: UNIPERSONAL MUSICAL

Crítica de Desbocado

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Chacarerean Teatre)

Nivel: 6.5 /8

¿De qué se trata?: Tributo al café concert irreverente, del que formaron parte Enrique Pinti, Carlos Perciavalle, Edda Díaz, Antonio Gasalla, Nacha Guevara y Alberto Favero.

“Volveremos a tener el corazón / el mismo que perdimos al sur del paredón”, canta Leandro Gazzia al comienzo Desbocado, y resume con esos versos el tono que tendrá su unipersonal: por un lado, una mirada crítica y ácida de nuestro país; por el otro, un profundo sentimiento de esperanza. Este era el espíritu del café concert, que surgió en Argentina entre fines de los años 60 y principios de los 70, de la mano de artistas como Carlos Perciavalle, Antonio Gasalla, Enrique Pinti y Nacha Guevara. Gazzia se propone homenajear al género y a sus exponentes, y lo hace con nostalgia y respeto.

Crítica de "Smokey Joe's Cafe"

Categoría: MUSIC HALL

Crítica de Smokey Joe’s Cafe

Con canciones de Jerry Leiber y Mike Stoller

(Estrenada en Broadway en 1995)

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Teatro La Comedia)

Nivel: 7 /8

 ¿De qué se trata?: Sin una historia que hilvane los diferentes cuadros, nueve artistas irán interpretando una selección de canciones compuestas por el dúo estadounidense Lieber y Stoller, que en las décadas de los 50 y los 60 fueron inmortalizadas por The Drifters, The Coasters y Elvis Presley, entre otras figuras del rock & roll y el jazz.

El punto fuerte de la obra: la dirección vocal de Katie Viqueira.

 Smokey Joe’s Cafe es uno de esos espectáculos que era difícil imaginar en Buenos Aires. Estrenado en Broadway hace 10 años, fue anunciado como una revue que rendía tributo a las canciones del dúo que conformaron Jerry Leiber y Mike Stoller (compositor y letrista, respectivamente). Leiber y Stoller fueron artífices de éxitos que atravesaron fronteras geográficas y resistieron al paso de los años, como “Hound Dog”, “Jailhouse Rock”, “Stand by Me” y “On Broadway”. A su vez, conformaron un prolífico cancionero en las décadas de los 50 y 60, explorando géneros como rock, pop, soul, gospel y jazz (sobre todo en su variante R&B o rhtythm and blues). Sus melodías fueron interpretadas por bandas como The Coasters y The Drifters, y también por solistas (varias de estas canciones fueron popularizadas por Elvis Presley). Sin embargo, en nuestro país no estamos tan familiarizados con la mayoría del repertorio de Leiber y Stoller como sí sucede en Estados Unidos. Ese era el primer riesgo de montar un show que consiste exclusivamente en una sucesión de canciones (podríamos decir que es un music hall, porque en Argentina tenemos un concepto muy distinto de “revista” que el de Broadway).

Crítica de "In the Heights", de Quiara Hudes y Lin-Manuel Miranda

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de In the Heights

Libro: Quiara Alegría Hudes / Música y letras: Lin-Manuel Miranda

(Estrenada en Broadway en 2008)

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Teatro Del Globo)

Nivel: 7 /8

¿De qué se trata?: La obra retrata tres días en la vida de un grupo de personajes viviendo en Washington Heights, un barrio latino al norte de Manhattan. Los ritmos caribeños vibran y desbordan a los personajes, así como también los sueños de vivir una vida mejor, las preocupaciones por llegar a fin de mes y el calor insoportable en medio de un corte de luz.

El punto fuerte de la obra: Lucía Belén Pazos (Vanessa).

Son muchas las circunstancias en que las ansias de montar un gran musical se ven truncadas por las limitaciones presupuestarias. Para contrarrestar esta situación, la escena local a veces recurre al formato de cooperativa (ninguno de sus integrantes cobra dividendos fijos). Este es el caso de la puesta de In the Heights que se puede ver en el Teatro del Globo, gracias a la iniciativa de su director Gabriel López. La obra, originalmente estrenada en Broadway en 2008, presentó algo disruptivo en la meca teatral neoyorkina: una historia de personajes latinos viviendo en Manhattan, en el barrio Washington Heights, contada a través de canciones con ritmos poco escuchados en los teatros de esas latitudes (hip-hop, rap y salsa).

Crítica de "Burlesque al Cubo", de Nicolás Pérez Costa

Categoría: MUSIC HALL

Crítica de Burlesque al Cubo,

certamen de talentos

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Teatro El Cubo)

Nivel: 6 /8

¿De qué se trata?: Los dueños de un teatro en quiebra hacen su último intento por salvarlo, convocando a sus antiguas amantes, ahora grandes estrellas, para montar un espectáculo que aseguran será un éxito. Esta será la excusa para transportarnos a un burlesque contemporáneo, donde se jugará con lo que ocurre delante y detrás de escena y además se llevará a cabo un verdadero certamen de talentos (a modo de reality show teatral).

El punto fuerte de la obra: Gabriela Bevacqua.

Siempre es interesante toparse con un espectáculo distinto de todo lo que uno ha visto. Seguramente, esto represente Burlesque al Cubo para la mayoría de los espectadores. Difícil de encasillar y ecléctico, resulta una propuesta original (incluso, distinta de una versión anterior que se había presentado con el mismo título). Tratemos de explicar un poco cuál es el espíritu de este music hall.

 Todo comienza a partir de una anécdota deliberadamente simple: los dos dueños de un teatro al borde de la quiebra deciden convocar a sus antiguas amantes para montar un show que reviva sus épocas de esplendor y atraiga inversores. Cada uno le envía la invitación a dos mujeres y, por supuesto, cuando todos se reúnan no faltarán desplantes, enredos y discusiones. Si esperan que esta historia tenga un desarrollo tradicional, saldrán decepcionados, porque este punto de partida no es más que un hilo conductor que le sirve de base a todo lo demás.

Crítica de "Melodías de Diván", de Gastón Marioni

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Melodías de Diván

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Teatro Picadilly)

Nivel: 6.5 /8

¿De qué se trata?: Bárbara, Elena, Verónica, Sara y Raquel son cinco mujeres carentes, que buscan. Todas ellas han perdido algo muy valioso, una falta que las congeló en el tiempo. La causalidad las reúne; la cita es un encuentro fortuito y renovador, con un diván de testigo. Será Bárbara, una psicóloga especializada en psicodrama, quien una las historias.

El punto fuerte de la obra: Magalí Sánchez Alleno.

Cada tanto aparecen en la nutrida escena porteña sorpresas como Melodías de diván, una obra sin demasiadas pretensiones, pero altamente efectiva. Este espectáculo se inscribe en la tendencia de trasladar el diván a escena (como el exitazo TOC TOC o la reciente Bajo terapia, o incluso la incursión teatral del Lic. Gabriel Rolón con Historias de diván). Sin embargo, las pautas son distintas: el foco no está puesto ni en la comedia y mucho menos en lo estrictamente psicológico (que, de hecho, no tiene gran relevancia en la trama y aparece como  mero disparador para plantear otros temas). Melodías de diván es una especie de melodrama de suspenso, con dosis de humor y, por supuesto, música. Fue escrito y dirigido por el platense Gastón Marioni (artífice de Tanguito Mío, un sublime musical infantil).

Crítica de "SpangTrash", de Judith Cabral y Matías Puricelli

Categoría: UNIPERSONAL MUSICAL

Crítica de SpangTrash

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (La Pausa Teatral)

Nivel: 7 /8

¿De qué se trata?: Obra con canciones pop contemporáneas. Una noche de resaca, Jey (Judith Cabral) queda encerrada accidentalmente en el baño de su casa… encierro que será también puerta a la libertad. Un recorrido pop por el desamor y la búsqueda de identidad. ¿Quién no le contó en el baño a sus fantasmas y tristezas? A veces necesitamos encerrarnos para conocer lo más profundo de nuestro ser.

“Just a second we’re not broken just bent

and we can learn to love again”

SpangTrash nos presenta una separación amorosa en tiempos de los celulares, las playlists, el streaming y el shuffle y demás. Es, a su vez, el retrato de una cultura y del paso de la niñez a la adultez (reflejado en un cambio de perspectiva respecto del prince charming arquetípico de las películas de Disney). Pero todo esto se expone en la dramaturgia con deliberada mesura, porque las protagonistas son las canciones, y son ellas las que van hilvanando los sentimientos de la protagonista y modificando su forma de pensar. En realidad, las letras se convierten en pensamiento, vuelven a la consciencia pero son resignificadas en el contexto que atraviesa Jey. Ya no son simple entretenimiento, sino que operan enérgicamente en la vida de esta mujer (la cultura se asimila y se convierte en acción). Es por esto que, por más que puede no haber sido planteada así, sostengo que SpangTrash termina siendo una historia sobre el poder sanador del arte. El show evolucionó del simple recital que podría haber sido para mostrar un costado catártico de la música. Y la catarsis fue una función constante de este arte a lo largo de las décadas, tal como lo fue para una deprimida Bridget Jones (a quien se hace referencia en la obra). Pese a que Jey quiere superar sus frustraciones con alcohol, es la música la que surge y le hace ver las cosas de otra manera, enfrentándola con una sociedad moderna estereotipada y a la que le cuesta madurar.

Crítica de "Ghost, el musical", de B. Rubin, D. Stewart y G. Ballard

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Ghost, el musical

Título original: Ghost, the musical

Libro: Bruce Joel Rubin / Música y letras: Dave Stewart y Glen Ballard

(Estrenada en el West End en 2011)

A su vez basada en la película estadounidense

Ghost (1990), de Jerry Zucker

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Teatro Metropolitan Citi)

Nivel: 7 /8

¿De qué se trata?: Sam y Molly son una joven pareja que se acaba de mudar a Brooklyn. Tras la repentina muerte de Sam, este queda atrapado entre dos mundos y se transforma en un fantasma. Sam se rehúsa a dejar a dejar a Molly cuando descubre que ella se encuentra en grave peligro. Como no puede comunicarse con ella, recurre a una médium de baja categoría, Oda Mae Brown.

El punto fuerte de la obra: Natalia Cociuffo (Oda Mae Brown).

Tengo que admitirlo de entrada: vi la puesta de Ghost, el musical que se hizo en Broadway y no me gustó demasiado. A su vez, hay que desmitificar la idea que tienen aquellos que aseguran que esta obra fue un éxito (esto es una concepción errónea muy común que se suele adosar indiscriminadamente a cualquier musical extranjero). Ghost, el musical recibió críticas regulares en el West End (2011) y en Broadway (2012), y tampoco consiguió el apoyo del público. Yo me sumé decididamente a los reparos que se le fueron haciendo (los iré explicando más adelante), y por eso fue mayor mi asombro al encontrarme con una versión argentina con tantos méritos. Pero… ¿no es la misma obra? Sí y no, ya veremos por qué.

Crítica de "El Rey Mono", de la compañía Shen Yun

Categoría: DANZA – Apta Para Todo Público

Crítica de El Rey Mono,

de la compañía de danza

clásica china Shen Yun

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Teatro Ópera Allianz)

Nivel: 7 /8 

ATENCIÓN… Últimas 4 funciones:

Jueves 11/6 (20:30 hs.), viernes 12 (21 hs.),

sábado 13 (21 hs.) y domingo 14 (15:30 hs.)

¿De qué se trata?: Shen Yun, la compañía que preserva la danza clásica china y la cultura de 5000 años que la respalda, presenta su adaptación del clásico de la literatura oriental Viaje al Oeste. En él, un monje budista peregrino es enviado por el Emperador en busca de escrituras religiosas. En el camino, se unirán a él el Rey Mono (con poderes mágicos), el cerdito Zhu Bajie y el ogro Sha.

Sentarse en una butaca del teatro Ópera Allianz a ver El Rey Mono es, desde el vamos, mucho más que predisponerse a ver un espectáculo. Es prepararse para ser trasladado a una cultura, que frecuentemente queda relegada en nuestro mundo occidental. Así y todo, es sabido que Shen Yun tampoco puede presentarse en China, donde el régimen comunista desprecia la antigua cultura, y por eso esta compañía tiene su sede en Nueva York. Entonces, es un doble privilegio el poder encontrarnos en Argentina con una cultura valiosa y de 5000 años de antigüedad. Además, como expliqué el año pasado (después de haber visitado una exposición sobre la compañía en La Recova de Posadas), Shen Yun significa “Porte Divino”. Por lo tanto, sabemos que los bailarines que vemos en escena practican el arte para fortalecer el espíritu, y por eso quieren brindarse al público con toda su pureza. En el show, una maestra de ceremonias muy simpática nos irá contando (en castellano y en chino) más datos sobre Shen Yun y la danza clásica china.

Crítica de "Siempre quise ser Bette Davis", de Fernando Albinarrate

Categoría: UNIPERSONAL MUSICAL

Crítica de Siempre quise ser Bette Davis

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Molière Teatro)

Nivel: 6.5 /8 

¿De qué se trata?: “Unipersonal que cuenta la historia de Flora Consuelo Gutiérrez, quien desde niña y por una profunda admiración y forzada empatía con Bette Davis, intenta una y otra vez una carrera como actriz”. - Comedia

“Nunca acepté órdenes de nadie. Mientras viva, nunca aceptaré órdenes de nadie. Soy joven y fuerte y nada puede afectarme”, dice Judith, el personaje de Bette Davis en la película Amarga Victoria (1939). En ese film, Davis tiene un tumor y pierde la visión, y esto resulta más trágico cuando es contado a través de sus enormes ojos. Muchos hemos visto alguna vez a la eterna sufriente de los dramas románticos de Hollywood de los años 30 y 40, pese a no haber sido contemporáneos a sus años de estrellato. Bette Davis es un ícono, como lo son su carácter y su cigarrillo. Y resulta que, como todo ícono, suscitó (y suscita) admiración en sus fans. Siempre quise ser Bette Davis parte de la historia de una de sus admiradoras, pero es mucho más que eso.  

Crítica de "Esa Palabra", de Manuela Perin y Lautaro Metral

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Esa Palabra

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (El Método Kairós-Función única)

Nivel: 6.5 /8 

¿De qué se trata?: Una mujer reflexiona sobre su presente durante un vuelo de avión en el que recibe una noticia sorpresiva. Lo hace a través de canciones en italiano, inglés y castellano.

Original premisa la que se le ocurrió a Manuela Perin: situar un musical en un avión. Como antecedente, solo se me ocurre una escena de Tell Me On A Sunday (de Andrew Lloyd Webber y Don Black), con una canción en la que se habla del vuelo como un “refugio”. En un pasaje, la letra remarca “Por ocho horas enteras mi vida no está en mis manos”, y esta idea nos puede servir como puntapié para adentrarnos en Esa Palabra. Básicamente, porque en este espectáculo compartimos el viaje con una mujer cuya vida ha dado un vuelco, y el destino parece someterla a encontrar una respuesta a sus preocupaciones antes de aterrizar (el concepto del avión como espacio catártico tiene su refuerzo en el uso de la voz en off). Así, a la protagonista no le queda otra alternativa que hacerse planteos en ese espacio tan lejano y aislado, pero tan propicio para las revelaciones.

En espejo con el viaje en tres escalas de Manuela, yo también estructuraré el resto de esta crítica en tres escalas.

Vuelve Manu Perín con "Esa Palabra"

Vuelve Manu Perín con Esa Palabra:

un show de alto vuelo

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (El Método Kairós, El Salvador 4530, Palermo)

2 de mayo a las 21 hs.

Comparto la gacetilla de prensa de Esa Palabra, un espectáculo al que asistiré este sábado 2 de mayo. Nota: hacer click en las imágenes si se dificulta la lectura en la versión para celulares del blog.

**Y esta vez, el invitado de honor es el gran DAMIÁN IGLESIAS**

El vuelo cuenta con una base de despegue: puntualmente sale 21hs desde EL MÉTODO KAIRÓS, en El Salvador 4530 (pleno barrio de Palermo), el sábado 2 de mayo, y los pasajes están ya a la venta en el propio teatro (recomendamos reservar porque se agotan llamando al 48319663 ó por mail a info@elmetodokairos.com.ar ó chapeauargentina@gmail.com). También podés reservar tus tickets en www.alternativateatral.com.ar

Como bonus track, estará disponible el CD completo del espectáculo a la venta a la salida del teatro.

Crítica de "Bollywood", de Chet Walker y Jack Samuel Gill

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Bollywood, el musical

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Complejo Cultural 25 de Mayo)

Nivel: 6.5 /8 

  

¿De qué se trata?: Contada sobre todo a través del baile, Bollywood es una sucesión de cuadros que resultan un canto a la integración (de edades, estilos, géneros y posibilidades). Toma su nombre de la industria de cine de la India, que produce musicales ingenuos y románticos. Vino a Buenos Aires a montar la obra el estadounidense Chet Walker (experto en Fosse, coreografió el último revival de Pippin en Broadway). Junto con Jack Samuel Gill (noruego con raíces hindúes), buscaron unir sus estilos e integrarlos, a su vez, a otros géneros musicales.

El punto fuerte de la obra: la coreografía.

No me termina de cerrar el concepto de boliche como lugar para bailar, tal como lo entendemos en la actualidad. Se llega muy entrada la madrugada, para permanecer en general por un tiempo reducido. La música está tan fuerte que casi no se puede hablar. Y ya he expresado anteriormente que no comprendo el atractivo de la mayor parte de la repetitiva música electrónica, y no tengo idea de cómo se baila… si es que se baila o si los movimientos que hace gran parte de las personas se considera baile. Y sin embargo, en Bollywood nos encontramos con un cuadro impactante montada al ritmo de “Bang Bang (My baby shot me down)”, el hit de David Guetta, uno de lo grandes exponentes del sonido electrónico. Así, los movimientos vigorosos potencian los arreglos de Guetta, logrando una amalgama que resignifica y eleva la canción. Y esto es solo una muestra de los que pasa en Bollywood, un espectáculo que es relectura e integración constante.

Crítica de "Eres Maravillosa", de Laura Manzini y Héctor Presa

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Eres Maravillosa

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Molière Teatro)

Nivel: 6.5 /8 

¿De qué se trata?: En los prolegómenos del estreno del “mejor papel de su carrera” (por fin logra el protagónico en un gran musical americano), una actriz se confiesa en su camarín y reflexiona, tanto de manera descarnada como con humor, sarcasmo, y un cierto dejo de tristeza, acerca de los avatares de su vida y de las frustraciones provocadas por su profesión. A lo largo del relato, se podrán escuchar magistrales interpretaciones de canciones de musicales, hasta llegar a un final sorpresivo.

Héctor Presa es una de las personas que ha defendido con más constancia el teatro musical. Como director del grupo “La Galera Encantada” (creado en 1978), fue moldeando un estilo propio a través de los años y, a su vez, diversificando los tópicos de sus obras (primero para niños y luego también para adultos). En Eres Maravillosa, comparte la autoría del libro con Laura Manzini. Uno de los recursos que el texto utiliza para darle dinamismo a este unipersonal musical es generar focos de interacción que son internos a la escena, para que el personaje de Manzini pueda estar contándole la historia a alguien sin hablarle directamente al público. Estos focos son la voz en off de Omar Calicchio (una suerte de Stage Manager) y, principalmente, un gato blanco de peluche a quien la protagonista le confiesa sus pensamientos y emociones (sus nervios, su alegría, sus recuerdos…). Por supuesto, el gato se comporta solo como receptor. Tomando esta idea, decidí yo también crear un foco de interacción y escribir una ‘crítica epistolar’, simulando que esta forma parte de una carta dirigida por alguien a un actor en la lucha.

*Acompañan la carta fotos de distintos musicales.

Crítica de "Daliniana", de Mariano Taccagni y Gaspar Scabuzzo

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Daliniana

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (El Método Kairós)

Nivel: 6.5 /8 

  

¿De qué se trata?: “No es una biografía de Salvador Dalí. Tampoco representa una oda a su obra. Es una visita a su cerebro, a su imaginación ilimitada. Un paseo por el derrotero fantástico, surrealista, desgarrado de su cosmovisión artística, de su genio”.

El punto fuerte de la obra: la dirección de Mariano Taccagni.

Se le atribuye a Salvador Dalí la frase “La única diferencia entre un loco y yo es que el loco cree que no lo está, mientras yo sé que lo estoy”. Si algo me quedó grabado de lo que aprendí en la facultad sobre este pintor es su método paranoico-crítico, por el que simulaba un estado de locura para intentar ver las cosas como las vería un demente. A su vez, pretendía entrar en estado alfa a través del automatismo psíquico (por ejemplo, se acostaba en un sillón con una cuchara en la mano, para que lo despertara al caerse). Todo esto le permitía coquetear con el subconsciente, ese costado humano enigmático y a veces temible, como todo lo que no se puede domar. Justamente, el movimiento del surrealismo hace referencia a lo que subyace a lo real. A mi entender, Daliniana es un musical conceptual, porque no nos quiere mostrar un período en la vida del artista, sino que intenta adentrarnos en ese mundo retorcido e indeterminado que está más allá del estado de consciencia, pero a través de la mismísima psique de Dalí. Y lo más interesante es que lo logra.